Sessanta volte :: acufeni :: Celebriamo la cifra tonda con una cinquina totalmente eterogenea, in cui spicca, per forza di cose, un album che avrebbe meritato un approfondimento maggiore, che il tempo (nostro principale avversario) ha però reso impossibile. Per non far torto a nessuno, come sempre, abbiamo affrontato, in rigoroso ordine alfabetico Burner, Emma Ruth Rundle, Gåte, Harjue Kongh.
Burner :: No One Is Coming To Save Us
Dopo It All Returns to Nothing, uscito a metà del 2023, ritroviamo i Burner alla prese con il loro nuovo album, ancora una volta concettualmente indirizzato verso la decadenza di un pianeta condannato a soccombere a causa del ripetersi costante dei medesimi errori da parte dell’uomo, che pare non aver imparato nulla dal passato. Se il precedente guardava al mondo, e al caos che lo ha caratterizzato nella storia, No One is coming to Save Us guarda invece all’uomo, e alla sua natura violenta, individuandola come una delle cause che hanno determinato il caos.
Se queste sono le premesse, è quindi inevitabile che l’album sia improntato verso un sound estremamente funereo, che, però, non si indirizza verso scenari di depressione sonora, ma, al contrario, sposa un approccio decisamente intenso, ed estremamente vario, in grado di tenere altissima la tensione in modo costante. No One is coming to Save Us è un disco politicamente impegnato, che cavalca l’onda di delusione che sta bruciando le piazze, e le strade, della vecchia Europa in questi mesi e che prova a raccontarci tutta questa rabbia. Il disco ci trascina in un vortice di delirante disperazione, che travolge e annienta, forte di una carica estremamente aggressiva, ma ragionata, in grado di fornire inattesi momenti dal taglio atmosferico che spezzano l’intensità e l’isterismo.
Questo dei Burner è un disco che funziona, anche se non è ciò che, solitamente, preferiamo associare alle nostre giornate. La loro idea di rivisitare, e in parte rinvigorire, un genere estremo che, forse, abbiamo ascoltato troppo a lungo, e che, quindi ora non sopportiamo più, si rivela vincente. In definitiva i britannici sono una band che è realmente in grado di incendiare, sotto tutti i punti di vista, siamo noi, che, nel frattempo, siamo diventati ignifughi.
Emma Ruth Rundle :: These Killing Times
Torniamo con piacere a parlare di Emma Ruth Rundle.
L’avevamo lasciata un lustro fa, nel 2021, quando ci offriva tutto il suo intimismo con un disco di rara intensità emotiva (post traumatica) come Engine of Hell, toccante album realizzato in solitudine, accompagnata soltanto da pianoforte e chitarra acustica, peraltro suonati entrambi da lei. La ritroviamo oggi, con questo These Killing Times che sancisce un ulteriore passo avanti nel suo percorso di crescita artistica che la colloca ai vertici di quel movimento al femminile contemporaneo in grado di sfornare, tra le altre, talenti autentici come Chelsea Wolfe, A.A. Williams, Anna von Hausswolff, Ethel Cain e Marissa Nadler.
Ispirato dagli stravolgimenti climatici attuali, These Killing Times, canta la speranza di chi riesce a non cedere all’isolamento, e trova la forza di trasformare in resilienza la disperazione per un futuro che sembra indirizzato verso un finale ineludibile, e tragico. Per questa occasione la Rundle ha scelto di tornare al passato, e ha scelto di farsi affiancare da una band vera e propria, in modo da poter usufruire di una gamma sonora più vasta, ma anche più incisiva. These Killing Times dispensa bellezza, grazie anche ad un approccio cupo, ma di grande atmosfera, che riesce ad essere profondamente avvincente.
Emma Ruth Rundle dimostra ancora una volta tutto il suo calore, con una performance sensuale e intrigante, avvolta ed esaltata da momenti di autentica purezza e picchi di intensità cristallina, in un gioco di dicotomie che si rincorrono e si specchiano. Un album malinconico, ma che sa essere incisivo, in forza di un’ottima orchestrazione, che trasuda eleganza e romanticismo. Un album sublime, caratterizzato da una spiccata spiritualità, in cui – come detto – spicca la sua performance vocale che rasenta la perfezione. La Rundle è un’artista che nonostante tutto ha ancora parecchia voglia di sperimentare, e per questo non smette mai di stupirci. Qualcuno l’ha definito come il suo miglior disco. Noi, che non amiamo particolarmente le classifiche, ci limitiamo a sottolineare come si tratti di un disco nerissimo, ma in grado di emanare un luce intensa e accecante.
Gåte :: Sigil
I Gåte arrivano da Trondheim, Norvegia (città famosa per aver dato i natali, tra gli altri, a Motorpsycho e The 3rd and the Mortal) e sono in attività dalla fine degli anni novanta. Sigil, uscito subito dopo l’estate, è il primo album per la Season of Mist, il sesto della loro carriera. Il disco contribuisce a sancire un passaggio importante per il quintetto scandinavo, in grado di andare a cercare una collocazione che eviti l’affiliazione a quel nutrito coacervo di realtà che fa riferimento a band come Heilung e Wardruna, anzi, i Gåte provano a distaccarsi da tutti quei cloni che sembrano non conoscere soluzione di continuità. Il loro è infatti un sound moderno che si lega ad un genere datato, realizzato grazie ad una coesione di intenti volta ad un approccio in grado di conquistare l’ascoltatore attraverso un corteggiamento avvolgente e affascinante, che non eccede mai, e che resta fedele ad un tentativo suadente di evocare l’immaginario legato ai miti nordici.
Sigil racconta infatti leggende popolari scandinave, in un mix tra il folk tradizionale e sonorità legate ad una visione del metal poco intransigente.
Un album dal forte richiamo pagano e ritualistico in cui l’elemento folk è al centro del progetto, ma viene visto e vissuto senza forzature. Costruito intorno, e grazie, a strumenti acustici, tradizionali, a fiato e a corde, Sigil suona in modo omogeneo, nonostante la natura eterogenea dei suoi elementi fondanti, e lo fa con un carattere ben bilanciato, in cui tutte le componenti riescono a trovare il medesimo spazio, senza andare a sovrapporsi. I Gåte – come detto – cercano di crearsi uno spazio quanto più personale possibile all’interno di un contesto ipersaturo, e sembrano in grado di riuscirci senza nemmeno troppa difficoltà, al netto però di una coesione globale che necessita di maggiore cura e attenzioni, in modo da limare le distanze che separano i brani meglio riusciti (quelli che un tempo eravamo soliti individuare come “i singoli”) e quelli che li accompagnano, e che, ad oggi rischiano di passare per dei riempitivi, privi di una pari dignità artistica.
Harju :: Verikyyhky
Harju sono un progetto sperimentale finlandese, nato lo scorso anno da ex membri dei Paavoharju, band che ha rappresentato un punto di riferimento in patria in ambito lo-fi, scioltasi nel 2023. Sotto la guida di Lauri Ainala mente creativa, compositore e leader del progetto, impegnato anche in ambiti extramusicali come videomaker e scrittore.
Dediti ad un ambient oscuro e rumorista, dal forte impatto sperimentale, gli Harju hanno scelto, insieme alla Svart Records, di realizzare un’opera multimediale con cui sonorizzare Verikyyhky la più recente graphic novel di Sami Makkonen, artista che unisce fantasy e horror, noto soprattutto per la sua monumentale trasposizione a fumetti del Kalevala, il poema epico nazionale finlandese. Il fumetto, ambientato in una tetra versione della città di Savonlinna nel 1992, fonde cronaca locale, folklore finlandese e horror soprannaturale, per una rilettura del mito dei vampiri che prende spunto dalle leggende dell’est europeo.
Quale migliore occasione quindi per Ainala per mettersi nuovamente in gioco con il suo nuovo progetto che non quella di andare a realizzarne la colonna sonora. Le tavole di Makkonen, caratterizzate da uno stile grafico graffiante, distorto e cupo, amplificano il senso di paranoia e claustrofobia, gli Harju non potevano esimersi dal realizzare un album dissonante, sporchissimo, in cui far convivere elementi disturbanti, che sembra adattarsi mirabilmente al contesto letterario. Il tutto garantito da QR code che permettono la riproduzione durante la lettura. Il disco è costruito intorno ai trentadue minuti di Savonlinna 1992, brano che regge l’intera architettura di un album che, senza l’apporto grafico rischia però di deragliare e perdere gran parte del suo significato. Un disco sperimentale, a tutti gli effetti, in cui troviamo tutti gli elementi disturbanti dell’universo sonoro di Lauri Ainala.
Kongh :: Dissolved in Time
Dissolved in Time è il quarto album degli svedesi Kongh, pubblicato lo scorso Settembre dalla Trust No One Recordings. L’album arriva a distanza di tredici anni dalla loro ultima apparizione, e ci consegna un graditissimo ritorno per una band che pensavamo destinata all’oblio. I Kongh sono una delle realtà più interessanti della penisola scandinava. Su questo credo che nessuno possa essere in disaccordo. Detto questo, ciò che ci fa maggiormente piacere, non è tanto il ritorno di una band – come detto – qualitativamente molto dotata, ma il fatto che siano tornati con un album che permette loro di ampliare il proprio raggio di azione.
Dissolved in Time si caratterizza infatti come un ulteriore passo avanti, realizzato attraverso l’introduzione di scelte stilistiche inedite per la band, perfettamente contestuali al disegno di insieme. Il tutto sancito dalla presenza di figure di spicco della scena scandinava metal, presente e passata, sia in veste di musicisti, che di sound engineer. I brani dell’album sono soltanto tre, ma non facciamoci ingannare dalla tracklist. Si tratta di brani di una durata impegnativa, che raggiungono complessivamente i quaranta minuti totali. Tre brani che raccontano un approccio tanto intenso quanto avvolgente, in grado di trascinarci nel baratro più profondo.
È come se fossimo stati spinti alla deriva, in un mare in tempesta, da un vento implacabile, inesorabile nel suo inarrestabile incedere. Ed è esattamente lì, in balìa degli elementi della natura che restiamo, in attesa che qualcuno venga a salvarci. Dissolved in Time è un album inquietante, che conferma la qualità di un progetto in continua ascesa. Un disco in cui ogni cosa sembra calibrata con attenzione, in modo da risultare coerente all’idea di base di annichilire chiunque abbia l’intenzione di ascoltarlo. Un disco di grande pesantezza, ma che si caratterizza per una notevole fluidità di ascolto, forte di una coralità che permette divagazioni al di fuori degli standard del genere. Un disco ambizioso, che non ha urgenza espressiva, e che mostra la consapevolezza di chi sa di avere le carte giuste all’ultima mano, e le gioca senza frenesia.
